L e n t e C r e a t i v o
Una Visión Alternativa del Cine de Autor
Nota:
Jane Russell
Talento, inteligencia y belleza
Como tantas otras Ernestine Jane Geraldine Russell fue a estudiar interpretación con la famosa Maria Ouspenskaya, sumando además clases de canto y piano, por la influencia desisiva de su madre actriz aficionada. Durante su niñez vivió en Canadá, para luego pasar a California, en Estados Unidos. Además de probar con dibujo y diseño formó parte de puestas en escena de varias obras teatrales mientras cursaba sus estudios secundarios en Van Nuys. Trabajó como modelo fotográfica y secretaria. Fue descubierta por el magnate Howard Hughes y contratada para protagonizar el filme "The outlaw" en 1943, una versión de la historia de Billy The Kid. El estrellato llegaría instantáneamente.
Y la censura también se haría notar enseguida. Las poses y vestidos de Russell en el filme hicieron que el estreno se viera limitado y sólo se vería oficialmente tres años después de finalizada su producción. Luego de esto Jane se convirtió en "la" chica de tapa y en la preferida de las tropas que combatían en la Segunda Guerra. El mismo año del estreno de "The outlaw" filmó su segunda película "Young widow" para la RKO Pictures, estudio que la ayudaría a solidificar su carrera. El papel estaba centrado en su sensualidad, pero Russell hacía que tuviera una cuota de inteligencia, lo que la distinguía claramente del resto de este tipo de actrices.
En 1948 llegaría "The paleface" para la Paramount y junto a Bob Hope que la terminaría de catapultar a la fama y de la que harían una secuela. Llegaron luego una serie de roles en los que seguiría probando que no era sólo un cuerpo escultural, a pesar de que se la considerara la "bomba sexy" del momento. Trabajó con los actores más codiciados de entonces: Robert Mitchum en "His kind of woman" (1951) y "Macao" (1952), Frank Sinatra en "Double Dynamite" (1951), Victor Mature en "Las Vegas store" (1952), Scott Brady "Montana Belle" (1948) y Gilbert Roland en "The french line" (1954) y Underwater! (1955), entre otros. Los papeles eran especialmente escritos para ella y la actriz se encargaba de lucirse en cada escena, dotándolos de una calculada cuota de cinismo que la hacía inconfundible.
Casada en abril de 1943 con el futbolista Robert Waterfield, Jane descubrió que no podría ser madre, por lo que entre 1952 y 1956 adoptaron a sus tres hijos, Tracy, Thomas y Robert. Para colaborar con las parejas en su misma situación, Jane y su marido fundaron en 1955 WAIF, siglas correspondientes a la Fundación Mundial para la Adopción Internacional, una importante organización, pionera en su tipo, que ubicaba a niños extranjeros con matrimonios estadounidenses. Jane se interesó también en la caridad, y lideró grupos de ayuda comunitaria que recaudaban fondos para beneficencia.
La 20th Century Fox la requirió entonces para tres superproducciones que se transformaron en rotundos éxitos de la época. En "Gentlemen prefer blondes" (1953) interpretó a la corista Dorothy, que hacía palidecer a la diva Marilyn Monroe, mientras cazaban millonarios por el mundo; en el western "The tall men" (1955) compartía protagonismo con Clark Gable, Robert Ryan y Cameron Mitchell y en la divertida "The revolt of Mamie Stover" (1956) de Raoul Walsh junto a Richard Egan y Agnes Moorehead. En 1955 fundó su propia productora con su marido, la Russ-Field, y filmaron películas en las que no siempre aparecía Jane: la secuela del éxito de la Fox titulada ahora "Gentlemen marry brunettes" (1955), "A king and four queens" (1956) con el consagrado Clark Gable y Eleanor Parker, "Run for the sun" (1956) con Richard Widmark y "The fuzzy pink nightgown" (1957) protagonizada por la propia Jane Russell.
A fines de 1957 presentó su show unipersonal en Las Vegas, iniciando luego una larga y exitosa gira por casi toda América y Europa con el espectáculo. Jane fue así priorizando su carrera en el teatro, dejando de lado al cine que la hiciera popular. Durante los años posteriores continuó con sus tours por los estados más variados de su país y probó suerte en el medio televisivo sin demasiado éxito. En los setenta protagonizaría el musical "Catch me if you can" en Broadway con excelentes críticas y no volvería a trabajar, salvo muy esporádicamente, en cine. Una verdadera diva de Hollywood y una actriz con todas las de la ley.
Nota:
Sabine Azéma
Picardía francesa
El rostro de Sabine Azéma puede expresar una muy variada cantidad de emociones, pero bajo -o sobre- todas ellas siempre se encontrará cierto rasgo de simpatía, de picardía, que nos hace admirarla aún más como actriz. Musa de su compañero actual, Alain Resnais, nos ha deleitado además con varias actuaciones que recorren buena parte del cine francés de los últimos años. Debutó en "On aura tout vu" (1976) una comedia escrita por Francis Veber, junto a Pierre Richard, Miou-Miou y Jean-Pierre Marielle a la que seguirían otra comedia junto a Michel Galabrú y un drama con Isabelle Huppert.
De pequeña y junto a sus dos hermanas hacía el recorrido en auto que su abuelo, veterinario, llevaba a cabo para atender a los animales de la región, mientras comenzaba a ir al Louvre con su padre abogado todos los domingos. Luego de terminar sus estudios, asistió al conservatorio para desarrollarse en la actuación, dando así lugar a la vocación que ya despuntaba en las representaciones caseras que realizaba con sus hermanas y amigos. Luego partiría a Inglaterra, dónde conocería a su primer marido el dramaturgo Michel Lengliney. Al volver a Francia, llegaría su debut teatral en 1974 con "La valse des toréandors" de Jean Anouilh con Louis de Funès, en un rol que la llevaría a la fama.
En 1981 aparecerá en su primer protagónico en cine junto a Pierre Vernier en "On n'est pas des anges... elles non plus" una comedia de Michel Lang, para luego encontrarse por primera vez con Resnais en "La vie est un roman", donde compartiría cartel también por vez primera con Pierre Arditi, André Dussollier y Fanny Ardant más Vittorio Gassman y Geraldine Chaplin, sin pasar desapercibida. Luego vendría su heroína trágica teatral de "L'amour à mort" de Resnais con guión de Jean Gruault y entre estas dos "Un dimanche à la campagne" de Bertrand Tavernier y con Michel Aumont. "Zone rouge" de Robert Enrico y "La puritaine" de Jacques Doillon le permitieron codearse con compañeros de la talla de Michel Piccoli, Richard Anconina, Hélène Surgère, Sandrine Bonnaire y Jacques Nolot.
"Mélo ou le temps d'un retour" le terminó de dar el prestigio dramático, repitiendo por tercera vez con Resnais en la dirección y Ardant, Arditi y Dussollier como actores. En "Cinq jours en juin" un drama ambientado en la segunda guerra mundial, compartió cartel con Annie Girardot y en "La vie et rien d'autre" con Philippe Noiret. Repite por quinta vez con Arditi en "Smoking/No smoking" de Resnais en una comedia de Alan Ayckbourn que le permite un gran lucimiento. En 1995 aparece en un elenco estelar y multitudinario encabezado por Michel Piccoli en "Les cent et une nuits de Simon Cinéma" de la talentosa Agnès varda.
Nacida en París, en septiembre de 1949, Azéma contó entre sus mejores amigos al fotógrafo Robert Doisneau, a quien dedica su único largometraje como realizadora hasta ahora, "Bonjour Monsieur Doisneau ou Le photographe arrosé" (1992). Jane Birkin, Jean-François Stévenin, Michel Serrault, Carmen Maura, valeria Bruni-Tedeschi, Olivier Martinez y Jean-Pierre Darrousin trabajaron con ella durante la década de los '90 en películas donde se luce en papeles grandes o pequeños. Mientras "On connait la chanson", "Pas sur le bouche" y "Coeurs" le dieron la oportunidad de lucir a pleno su capacidad para el humor y el canto. Todas por supuesto de la mano de Resnais que la vuelve a dirigir ahora en "Les herbes folles". Llegamos así al final de este recorrido parcial hasta la época actual de la carrera de una de las primeras actrices de la comedia francesa.
Nota:
Luc Moullet
El particular humor de un desconocido
Parisino. Nacido en 1937. Hermano del actor, músico e inventor Patrice Moullet. Profesor en La Sorbona. Definido como "el primo chistoso de Godard" o, más justamente por Jean-Marie Straub como "el único heredero tanto de Buñuel como de Tati". El comediógrafo/comediante desconocido de la Nouvelle Vague. Es el que cuando sus colegas críticos de "Cahiers du cinéma" hablaban
de una "política de autores", publicaba un libro llamado "Política de actores" sosteniendo que las estrellas pueden ser tan autores de las películas como los directores. Defensor del cine clase B y por sobre todo un gran desconocido, ese es Luc Moullet.
Tal vez por esa misma condición, Moullet decidió en "Le prestige de la mort" interpretar a un director que finge su muerte para conseguir apoyo financiero y renombre, cuando decidiera retornar. Pero le sale mal. Hay un director mucho más famoso que él que muere ese mismo día y adiós a los planes. Esta comedia tiene lo mejor del cineasta (¿o uniasta?), una serie de gags que a base de disparates hace que las carcajadas del espectador no tengan descanso. Para ello cuenta con la mítica Bernadette Lafont que lo acompaña en una parte de sus correrrías.
"Brigitte et Brigitte", por su parte, empieza con un planteamiento donde la confusión de identidades, característica que comparte con "Le prestige...", sigue con la descripción de una amistad y termina justo en el momento de la traición. Brigitte y Brigitte son dos estudiantes que le sirven a Moullet para reirse del estudiantado de la época y, como consecuencia, del actual con el agregado de que él mismo es profesor actualmente en la vida real. Además cuenta con cameos de Eric Rohmer, Claude Chabrol y Samuel Fuller.
Tanto en el largometraje "Parpaillon" como en el corto "La caballe des oursins", Moullet muestra más de cerca su afición por escalar montañas que se extiende de una manera u otra por toda su filmografía. En la primera de ellas las competencias de bicicleta, tan populares en Francia, son la excusa para dejar clara una metáfora tambien repetida en su filmografía, la vida es cuesta arriba, el secreto está en como la enfrenta cada uno. En el corto el director compara diferentes tipos de montañas y terrenos, con alusiones obvias al cuerpo humano o a diferentes situaciones de la vida.
Jean-Pierre Léaud (actor fetiche de Truiffaut) y Sabine Haudepin (la niña de "Jules et Jim" algo más crecida) son los protagonistas de "Une aventure de Billy le Kid" y de "La comedie du travail". En el primero, un western, se consigue una comedia extraña, surrealista, de tiros, de amor, ¿de celos? que resulta muy interesante por su cantidad de particularidades. "La comedie..." está compuesta por una serie de entrevistas laborales y tres personajes dos desempleados y una de las entrevistadoras que sirven a Moullet para hablar de la rutina, de los avisos clasificados, de accidentes y de muertes en el trabajo, todo en un tono exacto de comedia.
"Essai de ouverture" sobre las desventuras de un hombre que pasa toda su vida tratando de abrir un envase de gaseosa y "Ma premiére brasse" sobre la odisea de un hombre que desea aprender a nadar y no lo consigue, son dos cortometrajes geniales y muy divertidos. Por último "Les sieges de l'Alcazar" se divierte con la profesión de crítico cinematográfico, haciendo dudar a sus
personajes sobre la valoración de una película al saber de antemano el nombre del director o creando diferentes categorías de butacas de cine. Un director que se divierte creando situaciones incómodas para sus personajes -entre los cuales se cuenta-, generando grandes momentos de humor.
Nota:
Marlene Dietrich
Personalidad en pantalla
Nació el 27 de diciembre de 1901 bajo el nombre de Marie Magdalene Dietrich. La menor de dos hermanas, asistió a colegios en su Berlín natal y en Dassau. A los once años ya había adoptado el nombre de Marlene, nacido de una contracción de sus dos nombres de pila. Fue huérfana de padre a edad muy temprana, aunque tuvo una figura paterna en el segundo esposo de su madre que falleció cuando ella era una adolescente. Se interesó prontamente en la poesía y el teatro y tomó lecciones de violín pensando en volverse concertista hasta que se lesionó una muñeca.Durante su juventud no se privó de algún romance con un profesor y comenzó a asistir a cabarets para luego pasar a formar parte de las coristas que ofrecían sus espectáculos allí.
Había audicionado como actriz, pero no había logrado demasiado y tampoco llamaba la atención especialmente en sus shows nocturnos ni en sus apariciones esporádicas como actriz de reparto en algún drama teatral. Alrededor de 1922 hizo su debut en cine en un pequeño papel en "So sind die männer". Ese año conoció a quien sería su esposo legal hasta el final de sus días aunque se hubiesen separado luego de cinco años de pareja. Su única hija Maria nacería en 1924. En teatro comenzaba a interpretar papeles escritos por Shakespeare, Wedekind o Shaw y en cine comenzaba a tener papeles más grandes en películas como "Café Electric" (1927) o "Ich küsse ihre hand, Madame" (1928). Pero era en sus shows musicales en vivo donde llamaba más la atención.
En 1930 llegaría su consagración cinematográfica con "Der blaue engel" de Joseph Von Sternberg que se convertiría en su descubridor y en su pareja. Inmediatamente se trasladó a Hollywood donde filmaría "Morocco" y se la promocionaría como la respuesta de la Paramount a la sensación sueca de la Metro Goldwyn Meyer, Greta Garbo. Luego vendrían todas bajo las órdenes de Von Sternberg "Dishonored", "Shanghai Express", "Blonde Venus", "The scarlet Empress" y "The devil is a woman", convirtiéndose así en la glamorosa femme fatale que todos conocemos y sin lugar a dudas no olvidamos.
Luego actuaría en películas de directores muy reconocidos como "A foreign affair" (Billy Wilder), "Witness for the prosecution" (Wilder otra vez), "Touch of evil" (Orson Welles), "Judgement at Nurenberg" (Stanley Kramer) y "Stage fright" (Alfred Hitchcock). Marlene fue tentada por miembros del partido nazi para regresar a Alemania pero ella rechazó la oferta y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1939. Una vez declarada la segunda guerra mundial Dietrich encargadas de entretener a las tropas aliadas. Era abiertamente anti-nazi y despreciaba el antisemitismo.
En esa época grabó una serie de canciones al respecto que incluyeron la famosa "Lili Marleen". Luego vendrían sus presentaciones como cantante en varios tours mundiales que incluirían canciones alemanas traducidas al inglés y otras tantas del famoso compositor Burt Bacharach. Algunas declaraciones de Marlene tienen rigurosa actualidad: "... En Europa se han desarrolado filmes adultos que consiguen una madurez que en Estados Unidos no es posible, salvo por algunas rarezas." En otras se refiere al medio cinematográfico en sí: "Las películas son un medio completamente técnico, uno como artista tiene poco que decir, las máquinas son lo importante." lo que se explica viendo los directores con quienes trabajó. Y por último una clasificación para los actores: "Hay dos tipos de actores, el que entra a la actuación para satisfacer sus propios deseos y ahorrarse la terapia y el que actúa para complacer al público. El primer tipo no puede ser objetivo con su trabajo el segundo sí. Yo me considero parte del segundo."
John Lasseter
Tras los cortos de Pixar
El estudio de animación más brillante del momento nació con algunos hombres sentados en el suelo pensando una serie de cortometrajes. Cortos que el fundador del estudio, John Lasseter ha decidido continuar dando oportunidad, a los jóvenes que trabajen con él y así lo deseen, de realizar su primera experiencia contando el apoyo que él recibió. Y así continuar con el espíritu Pixar. Desde la lentitud de los equipos con los que trabajaban al principio, casi anónimos, a la tecnología que disponen en este momento y siendo el principal creador de animaciones del mundo, se ha recorrido un largo camino.
La primera oportunidad de animar y crear personajes que se le presentó a Lasseter fue con "The adventures of André & Wally B." (Alvy Ray Smith) allá por 1984, con una tecnología muy pobre se lograba un buen resultado. Luego vino la dirección del que sería el corto que marcaría el comienzo de Pixar, "Luxo Jr" la historia de una lámpara de escritorio, su pequeño retoño y una travesura. Todo nació de la pregunta: ¿Cómo sería el pequeño hijo de una lámpara? Para la época del siguiente, "Red's dream" Lasseter contaba con un equipo más sofisticado pero que debía compartir con los demás.
Con estos dos cortos John Lasseter logra algo increíble, dotar de expresividad elementos inanimados sin utilizar ojos, bocas o narices. El siguiente fue un muy buen trabajo en colaboración de homenaje a Chuck Jones y la Warner Bros. "Knick knack", luego del cual dudaron si continuarían ya que no producían dinero con estas pequeñas animaciones. Pero recibieron apoyo inmediato, ya que se habían ganado el respeto y la admiración de todos. Entre estos dos últimos había aparecido "Tin toy", que mostraba a un juguete y su temor a un bebé, además de su necesidad de atención. Este fue el origen del primer largometraje de Pixar dirigido por Lasseter "Toy story".
Le seguirían, manteniendo un increíble nivel de calidad y creatividad: "Geri's game" (Jan Pinkava), "Boundin'" (Bud Luckey), "One man band" (Jimenez-Andrews) y los nuevísimos "Lifted" del excelente sonidista y colaborador desde el principio de Pixar, Gary Rydstrom y "Your friend the rat" (Jim Capobianco) una pequeña maravilla que combina distintas técnicas de animación. "Mike's new car" (Docter-Gould), "Jack-Jack attack" (Brad Bird) y "Mater and the ghostlight" (Lasseter-Scanlon) fueron pequeñas e independientes continuaciones de los largos "Monster's Inc.", "The Incredibles" y "Cars".
Para el final uno de los más divertidos, que posee los personajes más definidos, un gran guión y una animación notable: "For the birds" de Ralph Eggleston. La historia de varios pájaros pequeños que se enfrentan a un dilema cuando deben compartir su espacio con un pájaro más grande. Todas pequeñas maravillas imperdibles, para no dejar de ver y admirar la capacidad técnica e imaginativa del grupo de creadores de Pixar.
Claude Chabrol
El lado oscuro de la burguesía
Evacuado durante la ocupación alemana en Francia, Chabrol ya organizaba en sus años de juventud funciones de cine junto a un amigo en un granero. Desempeñó durante un tiempo las funciones de proyectorista, programador y exhibidor logrando burlar las censuras del régimen. Al volver a París, luego de la liberación empezó a acudir a cineclubs dónde conoció a gente como Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette y Francois Truffaut. Así fue invitado a colaborar en la legendaria revista Cahiers du cinema.
Trabajó como publicista de la 20th Century Fox parisina y junto a Rohmer publicaron un influyente libro sobre Hitchcock. En 1957, Chabrol filma gracias a una herencia dejada por su esposa "Le beau Serge", película fundacional de la Nouvelle Vague que usaba por primera vez ciertas marcas que luego formaron parte distintiva de ese movimiento como el uso de actores sin experiencia y desconocidos, una edición cruda, grandes locaciones de filmación y mucho sentido de la espontaneidad.
Chabrol ha fundado su filmografía en la atención sobre la moral burguea, el asesinato, la culpa y el compromiso moral. Obras maestras como "L'enfer" -heredada de un guión de Clouzot y con una espléndida Emmanuelle Bèart-, "La rupture" -genial y negrísima visión del interior de una familia acomodada con la talentosísima Stéphane Audran- o "Madame Bovary" -una adaptación modélica de la novela de Flaubert con la única Isabelle Huppert- lo consagran como uno de los grandes directores contemporáneos.
Las estructuras de sus películas vienen de la confrontación de personas imaginarias con diferentes caracteres, no tienen una trama. Según él: "Los personajes se revelan solos, su relación evoluciona, establece su química y la audiencia no se da cuenta de que no hay argumento." Así nos ha mostrado una serie de historias con personas que se revelan cada vez más oscuras como en "Masques", "La demoiselle d'honneur", "La fleur du mal", "La cérémonie", "Merci pour le chocolat", "Violette Noziere" y "Une partie de plaisir".
Aunque filma situaciones límite odia la tensión durante los rodajes. Ha incursionado en la televisión francesa en ciclos o miniseries como "Fantomas", "Nouvelles de Henry James", "Les dossiers secrets de l'inspecteur Lavardin" y más recientemente en "Chez Maupassant". Gran director con un fino sentido del humor y la ironía, Claude Chabrol ha conseguido mantener su vigencia hasta nuestros días con trabajos como "L'ivresse de pouvoir" o su último opus "La fille coupée en deux".
Nota:
Alejandro Amenábar
Inquietar es lo suyo
Pietro Scalia
Técnica al servicio del talento
Greg Cannom
Eclecticamente genial
Gary Rydstrom
Sonido al detalle
Age & Scarpelli
Indispensables
"Il buono, il bruto, il cattivo" de Sergio Leone
Tuco: - dios está de nuestro lado porque odia a los Yanks.
Hombre sin nombre: - dios no está de nuestro lado porque también odia a los idiotas.
Katharine Hepburn
Unica
Dean Tavoularis
Un mundo en escenarios
Edith Head
Hiperactiva e inventiva
Joe Hutshing
Armando la vida
Joe durante los siguientes años trabajando de voluntario en varios cortos de video de estudiantes en el AFI (American Film Institute).
1987. Joe toma un trabajo de asistente con David S. Brenner, el segundo editor de Claire Simpson en una pelicula de Oliver Stone. Algunas de las sugerencias musicales de Joe llaman la atencion de Stone.
1989. Joe y Brenner forman un equipo y editan "Born on the fourth of july" de Oliver Stone. Joe esta presente en la filmacion de la escena crucial en Vietnam con Tom Cruise. Fue una escena agitada y el director cubrio de material a los editores. "Tomamos lo rodado, lo pusimos en diferentes cajas y lo ordenamos de forma que tuviera sentido. Fue un principio azaroso de edicion."
1990. Otra vez Stone, con Val Kilmer en "The Doors". Pusieron once horas de metraje juntas y en diferentes sesiones fueron quitando lo que no servia, como un escultor, para revelar la imagen deseada. Luego de que se les rompiera una sofisticada maquina, Joe con y Pietro Scalia, que lo asistia, tuvieron que realizar todo el montaje a ojo.
1991. El momento señalado. Se construia un monumento a la edicion cinematografica. Joe Hutshing y Pietro Scalia trataban de juntar todo el material rodado por Stone con la ayuda de 25 asistentes. "Este film era sobre conflicto. Stone queria reflejar el conflicto politico a traves de estilos narrativos conflictivos. Eso hizo del acercamiento a las imagenes algo muy desafiante, rompiendo todas las reglas convencionales." El resultado: la epica "JFK" y su estimulante look visual.
Los años siguientes encontraron a Joe asistiendo la edicion de "Being John Malkovich" de Spike Jonze, editando "Jerry Maguire", "Almost famous" y otras producciones, juntando los fotogramas para que la vida de los personajes cobre sentido. No hay duda que era el trabajo adecuado para el.
Rick Baker
Sobre monos y partes humanas
La gran dama del vestido
Gabriella Pescucci
En la pelicula de Sergio Leone "Once upon a time in America" vemos a personajes de una elegancia en el vestir (como el de De Niro) que contrasta con la vulgaridad de otros (el de James Woods) y los sombreros, gorros o bufandas exactos para cada uno de ellos. Sin olvidar una escena en los que se lucen los trajes de baño enterizos, ni tampoco los vestidos sueltos y de escotes abiertos en el personaje de Elizabeth McGovern y en las demás actrices en los años 20 y algun vestido mas conservador al final de la pelicula en los 60.
En "La nuit de Varennes" de Ettore Scola, Pescucci nos muestra un estilo a la vez elegante y teatral para narrar la historia de un escritor viajero (Jean-Louis Barrault) que en su travesía se cruzará con Casanova (Marcello Mastroianni). Muchas pelucas sombreros gigantescos, plumas y vestidos con vuelo para la época de Maria Antonieta. De la misma vestuarista son tambien los trajes de "La famiglia", "Splendor" y "Che ora e" de Scola.
Junto al maestro Raoul Ruiz realizó "Le temps retrouve" la adaptación libre entre novela y biografia de Marcel Proust (Marcello Mazzarella). En esta oportunidad pudo vestir a Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Arielle Dombasle, Chiara Mastroianni y Marie-France Pisier entre otras actrices galas, dándole a cada una de ellas lo necesario para resaltar su belleza natural.
"The adventures of Baron Munchausen" de Terry Gilliam marca el encuentro de Pescucci con un gran creador visual. Juntos desarrollan un estilo colorido y recargado para introducirse en la mente de un personaje tan extraño como el barón (John Nevile). También se marca la sutileza y la liviandad en las telas sobre todo en la aparición de Uma Thurman (Rose) como Venus. Para Gilliam trabajo ademas en la reciente "The brothers Grimm".
Suyos son también las típicas camisas y pantalones de "Prova d'orchestra" y el anarquico vestuario de "La citta delle donne" de Federico Fellini. Le debemos el vestuario de la pasional e impactante "Addio fratello crudele" de Giuseppe Patroni-Griffi con quien volvio a colaborar con el en "Identikit" y "Divina creatura". Podemos ver lo adecuado para cada clase social en los géneros de los trajes de "Charlie and the chocolate factory" de Tim Burton y lo maravillosamente estilizado y elegante del estilo de los varios trajes de "The age of innocence" de Martin Scorsese. Un paseo por la mejor ropa del cine, una gran creatividad al servicio de un viaje por tiempos reales o imaginarios que nos gusta creer y sentir. Y una modista de lujo, Gabriella Pescucci.
Los secretos intimos del cine
Sergei Eisenstein
"Stachka" ("La huelga"), su primera pelicula y su primera obra de arte esta ya estructurada con angulos de camara expresionistas y un montaje que se constituia en un lenguaje con maximo poder de persuasion. Un poema visual que lleva las emociones a los extremos. Luego vinieron varios problemas con la censura de su pais que no lo dejaba estrenar sus filmes como el lo deseaba. Eran demasiado innovadores para el gusto de las autoridades. Algunos llegaban a buen termino, con modificaciones, otros no. El novelista James Joyce, el poeta y cineasta Jean Cocteau, el arquitecto Edouard Le Corbusier, la ensayista Gertrude Stein, el cineasta Abel Gance y ese fisico de apellido parecido, Albert Einstein se contaban entre sus admiradores de la epoca. Charles Chaplin fue uno de sus mejores amigos durante su estadia en Hollywood y despues de ella. En EEUU conocio y se volvio admirador de los dibujos de Walt Disney.
Luego se convertiria en profesor de cine al regresar a Moscu, mientras seguian sus problemas con el regimen de turno en Rusia. Escribio y mucho sobre cine. Aqui algunas frases suyas al azar, que ayudan a entender en que consiste el Montaje de Atracciones:
"El cine es semejante a un microscopio en el que un ligero matiz parece como una erupcion."
"Pasar a un lenguaje poetico y metaforico sin la necesaria emocion y sin cautivar es absurdo."
"En el proceso de filmacion el tono unico del film se fracciona en tomas separadas que existen por si mismas y que vuelven a cobrar unidad en una frase completa de montaje."
"El juego compositivo es el resultado de la interrelacion entre la sensacion plastica causada por el cuadro precedente en colision o interaccion con el siguiente."
"Así como sucede con los dipticos y tripticos de los grabados japoneses, la perfeccion de la obra acabada en cuanto a clima y tema solo se logra al observarlas en su conjunto."
"Cada uno de los elementos sitúa al espectador bajo una accion sensorial o psicologica, mediante las cuales se obtienen de el determinadas sacudidas emotivas."
"No nos hace falta un 'cine-mirada', sino un 'cine-trompada' resquebrajar los craneos con un cine-trompada."
Dirigio "Las Walkyrias" de Wagner que fue atacada por los nazis porque decían que tenia "trucos judios deliberados". Para alegria del gobierno de su pais dirigio "Ivan Grozny" ("Ivan El terrible") y para su espanto la segunda parte "Ivan Grozny Boyarsky zagovor" ("La conjura de los Boyardos"), que nunca fue estrenada y el material de la que iba a ser la tercera parte destruido. Un resto que fue encontrado mostraba a Ivan interrogando a un mercenario como lo hacia la policia del regimen de su tiempo. Con colaboradores como Grisha Aleksandrov -amigo, autor y co-autor de varios de sus proyectos teatrales y cinematograficos-, o dos profesionales de primera categoria con los que hizo gran parte de su obra cinematográfica como el gran Sergei Prokofiev en la musica y el director de fotografia Eduard Tisse, logro verdaderas composiciones en cada plano de sus filmes. "Ivan Grozny Boyarsky zagovor" se convirtio en su ultima pelicula y en ella logro lo que siempre quiso, la sintesis de gesto, sonido, vestuario, sets y color en una poderosa y polifonica experiencia.
Nota:
El musico preferido de todos
Bernard Herrmann
"Yo pienso en mi como individuo, odio los cultos, modas pasajeras y circulos. Creo que solo la musica emocion e inspiracion es la que esta viva e importa." Son palabras del compositor que todos hubieran querido tener y que algunos tuvieron. Un hombre que llevaba los tempos musicales hasta el paroxismo, produciendonos como espectadores un gran placer.
Se conocio con Orson Welles en la radio y alli comenzo una colaboracion que los llevaria desde ese lugar, donde estaban juntos en el famoso incidente con "War of the worlds" de H.G. Wells, hasta las partituras distintas y complementarias de "Citizen Kane" y "The magnificent Ambersons" donde subrayaba los dialogos incrementando la importancia de las palabras. Welles -que se burlaba del temperamento irascible del musico decia tiempo despues de estrenada "Kane" que Herrmann -al que le decian Berny- era su responsable en el cincuenta por ciento. Mientras Berny no aceptaba aparecer en los creditos de "Ambersons" por la duracion de la pelicula.
Con Alfred Hitchcock tuvo una colaboracion que daria varias de las mas inventivas partituras de la historia del cine. Desde "The trouble with Harry" hasta "Torn curtain" -pelicula que provoco su enemistad y que termino haciendo otro musico- hicieron juntos nueve filmes entre los que se cuentan "Marnie", "Vertigo" y "The birds". Pero fue "Psycho" sin duda la que termino de sellar el prestigio de Herrmann y tambien de Hitchcock. Usando solo una orquesta de cuerdas para complementar un filme en blanco y negro que necesitaba una musica en blanco y negro, Hitch no queria musica en la escena de la ducha pero Berny se salio con la suya y consiguió colocarla. La música imita los chillidos de los pajaros, lo que anuncia la identidad del asesino. El violin fue el primer instrumento que Herrmann toco en su vida.
Francois Truffaut se cruzo en el camino de Bernard brevemente para otra discusion de estilo -el director de la nouvelle vague queria una musica mas futurista- en "Farenheit 451" que termino con Herrmann triunfando, la pelicula volviendose un fracaso y Truffaut mandandole una nota que decia: "Gracias por humanizar mi pelicula."
Su carrera tambien incluye una relacion bastante menos problematica con Brian De Palma y cuatro filmes con Ray Harryhausen en los cuales le dio personalidad a cada uno de las criaturas creadas por este mito viviente, mediante la utilizacion de diferentes instrumentos con cada uno, incluida la mitica "Jason and the argonauts". Un virtuoso de la musica con una personalidad fuerte y dominante, que logro su lugar en la historia del cine con musica que segun el "...puede colmar la pantalla con terror, grandiosidad, alegria o miseria con solo hacerla subir o bajar propia y suavemente."
Nota:
Pedro Almodovar
Rosa flor, rojo sangre
El autor del melodrama en el cine actual. Situaciones que en manos de otros se convierten en mera diversion o acumulacion de excusas argumentales, en manos de Pedro alcanzan dimensiones liricas y de disparate del bueno.
... Assumpta Serna & Nacho Martinez... Antonio Banderas & Eva Cobo... Carmen & Eusebio..., que fuerza, que altura dramatica alcanzan las escenas de la brutal "Matador". Los colores saturados, las miradas enfermizas, esa unica posibilidad de amarse a traves de la pasion, el dolor, la muerte. Una autentica cumbre del cine en su estado puro.
Leo y su melancolia, Leo y su abandono y los zapatos que ajustan. Un marido ausente y la escritura como recurso para aliviar penas. Chavela Vargas cantándole a Leo su propia suerte. Una Amanda Gris "tan debil que no puede fingir, es incapaz de cualquier ficcion, de escribir una ficcion que no siente y tampoco de ver la realidad que la rodea, que es muy negra y ella no tiene fuerza para volverla de otro color", según Almodovar. Una Paredes con momentos brillantes y una pelicula con un personaje como pocas veces se le han escrito a una mujer madura. Un verdadero deleite para amantes de las novelas rosas.
Almodovar y la risa mezclada con las neurosis femeninas. Otra vez Maura..., la admirable Barranco, Serrano, De Palma, Manver, Lampreave, criaturas fascinantes. "Mujeres al borde de un ataque de nervios" y un guion genial, con Banderas, Montesinos y Guillen como hombres timidos, abrumados o simplemente egolatras. Carcajadas y sonrisas se funden en una descripcion unica de la vida acelerada de una ciudad.
Solo algunas de las joyas de ese tesoro de personajes, escenas y situaciones para recordar de una filmografia unica en su tipo con sus altos y bajos, como la de cualquier director, un autentico creador de los que todavia tienen mucho por ofrecer.
