L e n t e C r e a t i v o
Una Visión Alternativa del Cine de Autor
Entrevista:
Hayao Miyazaki
Imaginación de avanzada
1941. Tokio, Japón. Nace Hayao Miyazaki, el creador de los filmes de animación más imaginativos de los últimos tiempos. Luego de cursar economía, empezó su trabajo en los estudios Doei como dibujante en 1963, fue ganando responsabilidades en su trabajo, se convirtió en sindicalista y dirigió su primera serie en 1978. En 1982 el manga "Kaze no Tani no Nausicaa", que se convertiría en la primera película de su ya legendario Estudio Ghibli, apareció por primera vez en la revista Animage. Era 1984, antes había dirigido "Rupan sansei: Kariosutoro no shiro" (1979).
¿Cuál es la filosofía con la que encara sus proyectos?
El sentimiento de los niños de que, por ejemplo, "hay una extraña forma de vida llamada araña de agua que respira aire desde el fondo" es lo más importante. Un insecto sale silenciosamente cuando la chica se queda en la casa abandonada. Ella dibuja una línea en el suelo y el insecto no la traspasa. Obviamente no puede ocurrir tal cosa en la vida real. Pero los niños juegan a menudo con ese tipo de reglas. Creo que no debemos perder esa manera de sentir. Y, a su vez, sentir que hay vida en todas las cosas que existen en este mundo.
¿Es costosa la animación?
Sólo para dibujar las ondulaciones del agua o las burbujas necesitamos muchos dibujos. Cuesta mucho dinero hasta la realización de cortos que nunca es un negocio. Sin embargo, ya poseemos un cine en el Museo del Studio Ghibli. No tenemos la necesidad de pensar en los beneficios. Raramente se encuentran trabajos tan placenteros. Una película significa una gran producción y, actualmente, un gran consumo. Si pulsas un botón puedes verla muchas veces. Considero que la posibilidad de encontrar una imagen ideal para los niños no existe en ese tipo de situación. Los cortos sólo pueden ser vistos en el museo. Si logro mostrar a los niños un enfoque diferente con las imágenes, ya me doy por satisfecho.
¿Es de comentar sus ideas?
Con nadie. Mi gas expira si hablo de ello. Pero el cerebro es un órgano misterioso. Si la habilidad perdura, comienza a pensar de manera automática. Lo dejaré todo cuando vea que no me surgen las ideas automáticamente. Mi creación es siempre un continuo arrepentimiento. Pero me sentí considerablemente satisfecho con "Sen to Chihiro no kamikakushi", pues siempre quise dibujar un tren que viajase por encima del mar y la escena resultó bastante adecuada. La secuencia en la que aparece una estrella fugaz y explota he deseado filmarla desde la época en la que debía decidir si ser un dibujante o un animador. Fue posible crearla para "Hauru no ugoku shiro". Tengo otras imágenes que me gustaría producirlas en la animación, pero no me queda mucho por vivir.
En sus películas se adivina cierto mensaje ecológico...
No me corresponde a mi educar a la gente en la ecología. Sin embargo, sí que proyecto mi experiencia personal en mis películas. Es verdad que ayudo a limpiar el rio que pasa cerca de mi casa. Prefiero los árboles al hormigón, pero nada más. No tengo intención de ser didáctico.
Miyazaki es el autor de varios personajes memorables, entre ellos el querible y redondo Totoro que se convirtió en el logo de Ghibli. Apareció en 1988 en "Tonari no Totoro" que posee una de las canciones más pegadizas de película de animación de la historia. Otros de sus títulos son "Mononoke-hime", "Sen to Chihiro no kamikakushi", "Kurenai no buta", "Majo no takkyûbin", "Tenkû no shiro Rapyuta" y la maravillosa "Hauru no ugoku shiro" de 2004. Un total de 17 obras entre cortos y largometrajes que se extienden hasta "Gake no ue no Ponyo", que deseamos ver más extensa.
Entrevista:
Charles Chaplin
Inventando la risa
Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades que alcanzaron un estimable éxito. Sobre todo la madre, Hannah Hili, hija de zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth en un mal momento de la familia, ya que su madre se veía obligada a mantenerlos porque el padre tenía problemas con la bebida. Los años pasaron y su padre falleció y su madre fue internada en una institución mental.
Con Fred Karno perfeccionó y diversificó sus notables recursos mímicos y ya en la época en la que trabajó con Mack Sennett obtuvo éxito con sus filmes. ¿Cómo creó su traje de vagabundo? "Todo salió de una emergencia. El cameraman me dijo ponte algún disfraz gracioso y yo no tenía idea de que hacer. Fui al departamento de vestuario y en el camino pensé 'Bien. Debo hacerlo bastante contradictorio... Pantalones anchos, saco apretado, pequeño sombrero. Andrajoso y al mismo tiempo un caballero. A la vez quería ocultar que era gracioso y se me ocurrió lo del bigote. Obviamente fue una tonta idea."
"Lo que más disfruto de mi personaje es lo fastidioso y delicado que es. Es lo que cualquier tonto de taberna quisiera ser." Sobre si hoy será posible un personaje así respondía: "Veo gente con pelo largo y ropa corta y supongo que quieren ser alguna clase de vagabundo, pero mi personaje tenía una humlidad que no va con estos tiempos." En cuanto a el origen de sus ideas declaraba "Las mejores surgen en el momento. Si comienzo a patinar lo hago y no caigo como todos piensan sino que patino usando un pie. Un golpe, origina otro y otro y así. Todo depende de la situación. Hay días en lo que nada sale bien."
"La pantomima es mucho más poética y universal que cualquier otra actuación si está bien hecha" dice, y además confesaba que "Pienso que la vida es algo hermoso y debe ser vivida bajo todas las circunstancias, aunque sea en la miseria. Por la experiencia, sólo por eso. Creo además que el humor te puede mantener sano. Es una defensa contra la tragedia, lo lastimoso de la vida."
De sus experiencias actorales iniciadas en 1914 en cortos o mediometrajes como "Making a living", "Between showers" y "Kid auto races at Venice", Chaplin pasó a escribir y dirigir sus propios filmes y de allí salieron "The tramp", "The kid", "Modern times", "The gold rush" y "Monsieur Verdoux". Estuvo casado con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill lo sobrevivieron nueve hijos. Para el final otras palabras suyas: "Nunca supe lo que es un genio. Creo que es alguien con talento, con una gran emotividad y que es capaz de desarrollar una técnica. Todos estamos dotados de alguna manera."
Entrevista:
Akira Kurosawa
Grandiosa poesía
Realizador en constante conflicto con su país de origen, Japón, Akira Kurosawa debió hacer concesiones en sus primeros filmes que se rodaron en la época de la segunda guerra mundial: "La guerra influyó sí, eso creo. La oficina de propaganda me pidió incluir ciertas cosas. Quería que yo incorporara elementos nacionalistas. Es lo que me pidieron. Intenté resistir. Pero si quería continuar trabajando en Japón en esta época, no podía decir no. Es en este modo que la guerra ha tenido un efecto sobre mis películas. Intenté no incorporar sus ideas, pero no tenía elección." El realizador había entrado a trabajar en los estudios Toho como guionista y ayudante del director Kajiro Yamamoto en 1936.
Sus películas reflejan su filosofía de vida. "¿Si existe el mal absoluto? No tengo ni idea. Sólo que ciertas personas hacen cosas inimaginables en este mundo terrible. No se cuales son sus pulsiones. Simplemente, existen personas que piensan en exterminar a todos los judíos. Las personas normales no pensariamos jamás en hacer eso. ¿De dónde vienen esas pulsiones y ese mal? Creo que es algo innato. El sentido común nos evita pensar así. La pulsión nace de repente como una suerte de mutación. Hablo en general. No creo en el bien y en el mal absolutos. Soy japonés, y pienso en tanto que japonés y realizo mis películas con este estado de ánimo."
"Los filmes japoneses tienden a ser assari shite iru (ligeros, llanos, sencillos, sanos) igual que ochazuke (té verde y arroz, un plato cuyas cualidades assari son celebradas) pero creo que debemos tener alimentos más ricos, filmes más ricos. Así pensé en hacer esta clase de filme, tan entretenido como para comérselo, por así decir. Claro que pensé así desde el principio pero, ¡qué trabajo da hacerlo en el Japón! Siempre pasa algo."
Durante su carrera realizó dos adaptaciones del dramaturgo william Shakespeare, "Tomar a Shakespeare y adaptarlo a un contexto japonés no fue demasiado difícil. Por otra parte, el nô (teatro japonés) es una forma de expresión única en el mundo. Tiene un impacto formidable. Luego si yo no hubiera tomado esta expresión, los personajes no habrían tenido el mismo impacto. Yo adoro el nô y es normal que me inspire en él." Kurosawa adaptaría en su filmografía a otros grandes escritores universales como Gorki y Dostoievski.
"Existen muchas formas de expresión. Uno puede contar una historia con diálogos. Pero es fastidioso explicarlo todo. Por tanto intento economizarlo. Para empezar, imagino mi película como una película muda. Siempre he intentado volver a los orígenes del cine mudo. Es por esto que continuo estudiando esas películas. Cuando realizo un filme, me pregunto como haría si fuera muda, que tipo de expresión es necesaria. A continuación intento reducir el diálogo al mínimo. Considero el cine como una concentración de artes. El cine es un trabajo complejo que reune elementos de la pintura y la literatura. Uno no puede hablar de cine sin hablar de literatura, de teatro, de pintura y de música. Muchas artes se convierten en una sola. Pero siempre, una película es una película."
Su primer gran éxito fue "Rashomon", después del cual vendrían otros que fueron populares en todo el mundo como "Shichinin no samurai", "Kumonosu", "Derzu uzala" y "Ran". Otras películas suyas "Ikiru", "Dodes ka-den", "Akahige" o "Akira Kurosawa's Dreams". El maestro Akira Kurosawa nació en Omori, Tokio, el 23 marzo de 1910 y vivió 88 años. Descendiente directo de samurais, estudió bellas artes en su ciudad natal y llegó a ser un reconocido pintor. "Llegué al cine completamente por azar. Yo quería ser pintor, pero era joven y pobre. ¿Qué hacer?"
Entrevista:
Carmen Maura
Talento nómade
Viniendo de una familia influyente española, Carmen estudió filosofía y letras, idiomas y bellas artes en París. Luego de algún problema con su familia comenzó en la actuación. A fuerza de teatro, televisión y de cine construyó una carrera que empezó a los 25 y sin haber pisado nunca una escuela de actores. Para los setenta ya comenzaba a ser parte activa en la movida madrileña y desde entonces prácticamente no para de filmar, dentro o fuera de España.
¿Cómo fueron sus comienzos en el cine y cómo lo ve ahora?
Aprendí lo que era la cámara con los cortometrajes. Venía de hacer teatro durante ocho años y empecé a hacer cortos. Enseguida entendí que había que estar relajada. En cuanto a lo de intentar relajar a la gente que tengo alrededor, me quedó porque cuando empiezas, a veces, lo pasas muy mal, porque no te ayudan los que están a tu lado y saben más.
¿Ha notado la ausencia de papeles para mujeres de su edad?
Yo no he notado nada. La diferencia es que pasas de ser la princesa a la reina. Sigo teniendo papeles muy bonitos. De aquí a finales de año haré diferentes papeles que ya iré contando. Además, como sirvo tanto para un roto como para un descosido, pues me dan papeles de rica, de pobre, de simpática o antipática. Nunca he tenido suspicacias con los personajes.
Aunque tenga que aparecer poco agraciada...
No. De la misma manera que no tengo complejo de edad. Además hay una cosa: sales hecha un cristo en una película y tienes unas críticas estupendas. También tiene la ventaja de que cuando voy por ahí fuera a hacer luego la promoción salgo normal y todo el mundo me encuentra guapísima, claro, porque al ver la película alucinan. No es un esfuerzo de generosidad por mi parte aparecer así, la verdad.
¿Cómo te llevas con los problemas de la profesión?
No me dejo manipular. A veces puedo llegar a parecer maleducada. De vez en cuando, desaparezco y no soy actriz. Tengo mi campo, mi París y voy mucho incluso sin razones de trabajo. Hago más vida social allí que en Madrid, porque me puedo mover más libremente. Yo trabajo como una bestia, pero aprovecho muy bien los momentos libres. Aprender a estar sola es el mayor secreto para ser libre, aunque tengas una pareja divina. Es una asignatura que debería aprenderse desde pequeños.
Viajas siempre de aquí para allá...
Sí. Pero tampoco me importa mucho tener que viajar; ya me acostumbré y me lo tomo supertranquila. En realidad, también me tomo así los rodajes. Estoy habituada a llegar a sitios donde todos son desconocidos. La cámara siempre es la misma, que es lo importante. Y los técnicos de cine, aunque cambie de país, tienen mucho en común. Lo mismo ocurre con los directores. Es como una familia y eso es fantástico, me da seguridad. Ya me acostumbré a que llego, me disfrazan, me dan el marido y la casa, la historia y ya está. Trabajo tanto justamente porque no me pongo nerviosa. Es fundamental, porque cuando te tensas, pierdes mucha energía. Y delante de la cámara, la energía es oro. Llego abierta a cualquier cosa. ¿Qué soy rubia?, estupendo, ¿qué ando despacio?, fantástico. Estoy muy orgullosa de mis andares. Si se examinan mis películas, siempre ando distinto. ¡Bueno, algunas se copian a otras!. Pero es algo que me parece muy importante. Hay mucha gente que no sabe caminar. Cada uno tiene su sistema. Hay quien para hacer de monja necesita irse un año al convento. Yo no necesito eso. He visto tantas que ya me lo imagino.
Tiene dos hijos, Carmen y Pablo y una filmografía que incluye títulos como "Tigres de papel", "Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón", "La ley del deseo", "Gary Cooper que estas en los cielos", "Matador", "Tata mía", "Mujeres al borde de un ataque de nervios", "¿Qué he hecho yo para merecer esto?", "Sé infiel y no mires con quien", "La reina anónima", "Alice y Martin", "Lisboa", "Reinas", "La promesa", "La comunidad" y "Valentín" entre muchísimas y muchísimas más. Aunque nunca tendremos sufiente de La Maura.
Entrevista:
Shinobu Yaguchi
Comedia al estilo japonés
Ver una de sus películas es una experiencia nueva. Los gags están perfectamente resueltos y las situaciones graciosas se suceden sin parar. Sus protagonistas son generalmente adolescentes o jóvenes que pasan por una serie de situaciones disparatadas que dejan al descubierto su torpeza o poco conocimiento acerca de ciertos temas. Shinobu Yaguchi nos acerca a esa parte juguetona que todavía guardamos en el interior de ese "adulto civilizado" que pretendemos ser.
En Japón te llaman "enfant terrible"...
¿Yo? Soy sólo una persona del tipo medio y amable.
Sabes que tus filmes funcionan perfectamente en todos los países.
Yo hago las películas para una audiencia japonesa y para provocar y alentar la risa japonesa. O sea que aunque estoy encantado de que funcionen en otros lados, es todo lo que hago. De hecho estoy sorprendido de que se produzca ese traspase tan bien.
¿Tienen que ver con tu trabajo gente como los Hermanos Marx o Los Tres Chiflados?
La verdad no he visto mucho de lo que han hecho. Estoy poco interesado en la gente que hace cosas tontas y encuentra humor. Me interesa más la gente que hace cosas cotidianas y encuentra humor en las pequeñas cosas que le pasan.
Cierto... a tus protagonistas les suceden cosas extrañas de repente...
Si, generalmente uso determinados acontecimientos que les ayudan a entender que pueden cambiar o cortar definitivamente con el pequeño mundo que ocupaban hasta el momento en que se produjeron.
¿Sos el típico hombre gracioso que se deprime cuándo no filma?
Para nada. No tengo stress. La gente dice que es muy difícil y estresante hacer filmes y que tienes que hacer cosas para quitarte el stress, pero yo no soy así. Mi gran alegría radica en hacer las películas que creo son interesantes y entretenidas para no estresarme.
¿Qué tienes para decirles a el público que va a ver tus filmes y espera encontrar el cine japonés de Kurosawa, Ozu o Itami?
Que van a encontrar algo distinto. Tenemos muchos directores independientes nuevos en Japón que no están interesados en lo más mínimo en enseñarles o comunicarles algo de la cultura japonesa per se. Estamos interesados sólo en hacer buenas películas entretenidas. Así que ya saben, no vayan a ver películas japonesas para tratar de aprender algo sobre la cultura de nuestro país.
Nacido el 30 de mayo de 1967, su filmografía consta de menos de una decena de películas que alcanzan como para darle un espacio de relevancia dentro de la comedia en el cine actual. "Swing girls" (2004), "Parco fiction" (2002), "Waterboys" (2001), "Adorenarin doraibu" (1999), "Himitsu no hanazono" (1997) y "Hadashi no pikunikku" (1993); más una serie de cortos hechos en colaboración con Takuji Suzuki en los que se debía hacer todo en un plano y sin mover la cámara llamados obviamente "¡De una pieza!" y otro llamado "Vigilando pájaros" que fue aclamado en varios festivales, van armando de a poco un mundo disparatado, alegre y vistozo al que vale la pena asomarse.
Entrevista:
Sharunas Bartas
El artifio de la poesía visual
Yo tenía la sensación de perder el tiempo allí dentro y por eso no iba a clase sino únicamente a los exámenes. Me parecían una mierda las clases y no obtuve una mierda de ellas. Un caso similar sucede con lo siguiente: ¿cómo enseñas a nadar? ¿Con un libro o nadando? Lo mismo sucede con el cine. Se tiene que filmar. Hay que salir a filmar. Yo terminé y, por ejemplo, en cinco años hice dos largometrajes. Lo principal es hacerlo.
No creo que haya una influencia clara o única. La verdad es que nunca vi tantas películas y creo que sería un error que ahora diese algunos nombres. No sé. Antes de ver películas me influyó la vida, los sonidos, las imágenes. Esto pesó mucho, antes de que yo empezara a ver películas. Por ejemplo, cuando empecé a rodar, con diecisiete años, ni siquiera había visto una sola película de alguien como Tarkovski.
La vida y el trabajo van juntos. Sobrevivir a las circunstancias es algo de todos los días y la vida y el trabajo a veces se mezclan. Entonces, se puede planear o no planear y lo mismo pasa con los actores. Muchas veces tienes que dejar cosas a decisión de ellos, a ver qué puede pasar. Aunque sólo cuando todo está controlado se puede dar la sensación de que lo que pasa en pantalla está pasando en ese momento. Si filmaras directamente aquello que está pasando en un momento determinado obtendrías otra sensación, una sensación de caos y, por tanto, una inconexión entre planos. En cuánto al uso de diálogos, depende. Por ejemplo, en "Septyni nematomi zmones" hay mucho diálogo. Yo no estoy en contra de la palabra en el cine. Se puede hablar más o menos, es una elección y el cine tiene muchas posibilidades.
Es muy simple. Al crear yo no pienso en metáforas. Nunca. No necesito pensar en ellas. En todo caso, si algo ocurre en la pantalla es trabajo del crítico pensar el significado que pueda tener porque pueden haber muchos significados diferentes para lo mismo. Es una elección de leer allí lo que uno quiere. En el caso de los libros, por ejemplo, la gente no va al autor a preguntarle el significado de las cosas. Lee el libro. ¿No lo leíste? En mi caso, ¿no viste la película? Si no la entiendes es tu problema. Además, no puedes ir a la taquilla a decir “devuélvame mi dinero de la entrada”, por no entender la película. Nunca nadie le iría a preguntar a un escritor por el significado de su libro. En todo caso, léelo.
Conviviendo con limitaciones
Jafar Panahi
No me interesa hacer películas políticas, me interesan los seres humanos con limitaciones. Yo hago películas sociales de arte. Soy consciente que todo cine social tiene un trasfondo político y que parte de una política errónea de fondo. Pero hay problemas culturales, religiosos, de libertad de pensamiento. Mis películas son un informe a la historia para que dentro de diez o veinte años se sepa como se vivía en Irán ahora y para que no vuelva a ocurrir.
Como la problemática del sexo femenino...
Las mujeres tienen muchas limitaciones en Irán. En casos de divorcio nunca les dan la tenencia de los hijos, sus maridos tienen que aprobar sus pasaportes, se quedan con menos parte de las herencias, y ahora, con el gobierno actual que es más conservador, ni siquiera viajan en los mismos autobuses que los hombres.
La relación del gobierno de su pais con los medios es caótica...
Ha cerrado varios medios, el acceso a internet está filtrado, hay aumento de la presión y del control. Todo tiene que ser del mismo formato y color. Creo que la humanidad entera vive metida adentro de un gran círculo. Y hay que tratar de ampliarlo, de que entren más personas, más ideas. Y que se acepten las diferencias.
Para usted la censura es un problema?
No voy a autocensurarme con mis películas. Cuando filmo, no pienso si se van a poder ver o no, me cago en la política, en el espectador y en todo lo que rodea al cine: lo que me importa es estar convencido de lo que hago. No trabajo para satisfacer el gusto de los demás. Quiero que el espectador me siga, que me corra si es necesario. Mis últimas tres películas no se estrenaron en Irán. Preferirían que no hiciera más cine. Pero no pueden impedirlo porque lo produzco yo, con mi dinero. Es un sistema cerrado en el que no se aceptan ideas nuevas. Con mis películas, los de la censura se ponen muy sensibles.
Sus películas están hechas para aumentar la percepción del espectador, que no quede encerrado en su propio microcosmos sin tratar de comprender otras ideas o a otros seres humanos. En sus tramas no hay personajes malos, él cree en la bondad interior de sus personajes, que si cometen algún acto reprobable es por la poca amplitud de sus propias miras. El arte es para él un medio para crear cierto impacto e instalar sus temas en la sociedad y a pesar de todo, Jafar Panahi parece dispuesto a continuar por el camino elegido.
Entrevista:
Raúl Ruiz
La subjetividad de la realidad
Autor de filmes como "Comédie de l'innocence", "Combat d'amour en songe", "L'hypothèse du tableau volé", "Généalogies d'un crime", "Ce jour-là", "Trois vies & une seule mort", "Klimt", "Días de campo", "La ville des pirates", "Shattered image" y varios más que forman una muy extensa y ecléctica filmografía en continuo aumento, Raul (o Raoul) Ruiz se ha hecho un lugar como uno de los personajes intelectualmente más estimulantes del cine de los últimos tiempos.
Cómo se plantea el desarrollo de sus filmes y cuál es su concepción del cine?
Juego con los tópicos usuales del cine para mostrar que las cosas no son siempre como se ven. Tomemos el cine como un espejo de la vida y yo propongo que el espejo tiene memoria. ¿El cine es un arte o no? La mayoría de la gente dice que es el séptimo arte, asumiendo que hay seis bellas artes, sin embargo en otras épocas como la medieval las artes liberales eran el "trivium" (gramática, retórica y lógica o dialéctica)y el "quadrivium" (aritmética, geometría, música y astronomía). Pero había algo así como veinte "triviums" y "cuadriviums".
En esos tiempos había alrededor de trescientas artes conocidas. Incluso hay libros de esa época que definen el corte con cuchillo como un arte y todas estas artes están en el cine. La gente que camina practica el arte de caminar, la gente que corre, que habla, el arte del naturalismo, el arte de encuadrar, todos estos artes se pueden conectar en uno.
Dije que el cine es un espejo, el poeta chileno Jorge Tellier dice que tiene miedo de los espejos porque es muy narcisista y guapo. Hay algunos espejos que lo rechazan y hay otros que lo aceptan. Dice que hay que tratar al espejo como lo harías con un tigre, lo debes dominar.
No hay pactos con el demonio, me he dado cuenta que son realmente pactos con el espejo. El espejo se ha vuelto una gran metáfora en física cuántica, hay físicos llamados del espejo. Se habla de "El Espejo Turbulento" el título de un libro sobre la teoría del caos. La imagen es la del mundo como un río. En el río hay turbulencia y nosotros somos los vórtices. No es siempre el mismo agua pero es siempre el mismo vórtex. Somos el movimiento y formamos parte de la totalidad del río. Esta metáfora es increíble y se aplica perfectamente a mi cine.
Continuando con el concepto, puedes tener veinte dobles en cualquier parte. Van a restaurantes, comen, se van sin pagar y tu tienes que hacerlo. Son campos morfogenéticos, un electrón se mira en el espejo y se vuelve dos. La forma viene de afuera, se le llama función morfogenética, implica otro espacio del mismo nombre que hace que se produzcan consecuencias graciosas como estar en dos lugares al mismo tiempo.
De dónde provienen estas ideas? En gran parte de la lectura supongo...
Hay mucho de hablar con amigos, contar historias y leer por supuesto, a veces durante los rodajes. Un amigo me dijo en una ocasión que mis filmes eran las notas del libro que estaba leyendo durante la filmación.
Lo puede hacer porque ha desarrollado un sistema?
Lo hago por la libertad en la forma de filmar, no es cara. Muchos de mis filmes están hechos con un guión. Tengo una clara estructura imaginada en el principio del film para luego poder jugar dentro de él.
Nacido en Chile, se dedicó en sus inicios al teatro de vanguardia, estudió derecho, se entrenó en pintura y se convirtió en exiliado durante los setenta cuando se muda a Francia donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera cinematográfica. Surrealista, irónico, abstracto, Ruiz ha sido llamado el fantasma sin padre del cine moderno, lo que no es extraño ya que como el mismo dice "Creo en la variedad de las identidades culturales, se necesitan muchas para llegar a ser uno mismo".
John Williams
Busqueda permanente de la nota correcta
El área de la fantasía es la mejor que puede existir para la música. No hay que lidiar con las restricciones de las películas realistas. La orquesta va interpretando y el oído del que escucha acepta el bombardeo de la música aunque lo que sus ojos vean no concuerde con lo que los oídos están escuchando. La música tiene una parte muy importante, porque sólo ella puede hacer creer a la audiencia lo que está viendo. Sólo la música puede convertir la fantasía en realidad.
Por ejemplo, cuándo un personaje vuela, la orquesta toca música que nos recuerda una danza rápida de un ballet. Esta es la música teatral o de ballet. Por otro lado en las películas de guerra la música tiende a subrayar la acción. Por ejemplo, si alguien hace una maniobra violenta se la sigue con énfasis, con cuerdas.
Usualmente miro la película ya editada. Se ve en que partes necesita música y se discute la importancia de la música en cada escena. Cuando grabo en el estudio, exijo que la grabación se haga mientras estoy viendo la película en la pantalla. La orquesta está frente a mí y yo estoy frente a la pantalla.
No sé cómo contestar eso. No quiero que suene como algo fácil. Trabajo duro. Las cosas que parecen simples, hasta obvias, a veces son las más difíciles de hacer. Cuándo descubres que algo comenzó a sonar bien dices -'Ah. siempre estuvo allí. Sólo que ahora funciona correctamente' Pero si vuelves tres dibujos antes de ese, antes de cambiar el B-bajo por un B-natural, te das cuenta de cuan mal estaba y cuánto te falta para llegar a algo. Tienes cuatro o cinco notas, sacas una y mueves otra hacia otro lugar y haces un pequeño arreglo más y eventualmente, como dice el escultor: 'En esa roca hay una estatua, hay que encontrarla'.
De ocho a doce semanas, pero siempre se puede tomar un poco más de tiempo. Aunque nunca es suficiente y una vez terminado ya no puedes arreglarlo.
Anthony Hopkins
Maestro de actores
Si pero no era el unico. En el mundo post-guerra el cine era la gran cosa. Todo el mundo iba al cine, millones de niños iban al cine y yo era uno de ellos. Me encantaban las películas negras de la Warner. Las de gangsters con Bogart o Cagney. Y siempre iba al cine con mis padres. Mi padre fue un garn amante del cine.
No hay verdad en la actuacion, es todo un truco. Estoy desmitificandolo, pero lo que trato de hacer, espero efectivamente, es crear una realidad como si estuviera pasando ahora, que estas tratando de pescar palabras del aire. Una vez que te conoces el guion o la obra lo suficientemente bien funciona como un partido de tenis. Todo lo que hago es repetir en mi mente, ahora, ahora, ahora, ahora, ahora. Esa palabra va conmigo una y otra vez en cada linea y entro en un estado donde esto sucede una y otra vez. Pero es todo un truco.
Lo que motiva una actuacion es la accion, el objetivo... Que estoy haciendo? No que estoy sintiendo. Que hace el actor en cada situacion? Una vez que tienes eso. Cual es tu objetivo? Que estas haciendo en la escena? Entonces las emociones y todo lo demas generalmente aparecen. Y si no, ya lo dijo Stanislavsky: "Si no lo sientes, hazlo tecnicamente, hasta que te apoderes de ello."
Cada vez disfruto mas de ellos. Actuo solo para divertirme. Toco el piano y amo hacerlo. Ademas leo y pinto y tengo una vida plena y creativa.
Emmanuelle Beart
Talento y belleza
En Francia el publico tiene esa imagen de mi y siempre estoy peleando contra ella. Es solo una de mis facetas. Quiero usar todos mis poderes, abrir todas las puertas y ventanas. He usado muchas caras y mi cuerpo de diferentes maneras. Hasta la forma de sentarte varia la impresion que proyectas. Tienes que ser lo suficientemente inteligente como para tomar ventaja de la imagen, en esta profesion todas esas cosas son muy importantes.
Esta imagen se rompe. El punto de actuar es ponerse en los zapatos de otra. Si todo lo que hubiera hecho es la niña sexy e inocente todo el tiempo, hubiera sido muy infeliz. Ya no seria mas actriz.
En la eleccion para mi es muy importante mirar a los ojos del director. Buscar su mirada, su deseo y tomar un trago con el para ver si deseo volver a hacerlo alguna otra vez. Lo mas importante para mi es no cuan bueno sea el filme sino si lo he pasado realmente bien los dos meses que he trabajado en el.
Estoy tratando de hacer cosas fuera de Francia.Es genial actuar en otros idiomas. Es abrir otra ventana y respirar un aire diferente.
Probablemente tengas la impresión de que me gusta hablar mucho, pero es porque tengo algo que decir sobre ciertas cosas. En la vida prefiero mirar. En realidad extraño un poco eso ahora que la gente me mira.
Kim Ki-duk
Pintura en imagenes
Uso la palabra "odio" en un sentido amplio. La clase de odio de la que estoy hablando no es contra una persona o cosa, es el sentimiento que tengo cuando veo cosas que no comprendo alrededor mio. Ese es el motivo por el que hago peliculas, veo algo que no entiendo y hago una película para tratar de comprenderlo.
La razón por la que no hablan es porque generalmente son personas a las que algo o alguien los ha herido profundamente. Tienen su confianza en otros seres humanos destruidas por promesas no cumplidas, por desilusiones han perdido su fe y confianza y han dejado de hablar para comunicarse.
La violencia que poseen prefiero llamarla lenguaje corporal. Me gustaria pensar que es expresion fisica no solamente violencia negativa. Son cosas que generalmente estan provocadas por experiencias en edades en las que no pueden responder al trauma, golpes recibidos en la infancia o adolescencia. Yo las he sufrido y me he preguntado ¿por que pasa esto? Esta pregunta se han quedado conmigo y ahora como director expreso como pienso y siento sobre estas cosas.
Uso mis peliculas para ilustrar metaforas que son importantes para mi. Una vez lei algo que decia que un director debe guardar sus palabras lo mas posible y dejar que sus filmes hablen por el. El estilo de vida y sus pensamientos deben estar ocultos a la audiencia. Creo que es la actitud correcta para un artista y un filosofo. No estoy diciendo que yo lo sea.
Mis films son como imagenes de un espejo para la audiencia. si una persona usa malas palabras para describir mis filmes, esa persona escuchara su propia voz. Cualquier vision de un film refleja la relacion de esa persona con la pelicula. Nos vemos nosotros mismos en los personajes y nos identificamos con ellos. Las audiencias son diferentes y es dificil decir quien esta en lo correcto y quien no.
Dualidades
Danny Elfman
No. Era un trabajo reducido, pero termino siendo una ambiciosa y loca coleccion de seis movimientos todos oponiendose contra todos. Estoy siempre atento al hecho de que hay dos compositores viviendo dentro de mi que no se gustan... uno quiere ser tomado mas seriamente y el otro cualquier cosa menos eso.
No, no tengo un proceso para escribir canciones, aunque desearia tenerlo. Si tengo tecnica para la composicion filmica. Nunca pude decir voy a escribir una canción, sentarme y hacerlo. Cuando estoy componiendo la musica de un film me mantengo concentrado porque requiere tanto esfuerzo y disciplina que no estoy relajado para nada. Sin embargo escribo canciones cuando estoy en un estado mental mas relajado. Cuando escribo una banda sonora tengo que escribir tanto por dia, inspirado o no; mantener esas melodias y piezas de musica en mi mente para que la partitura se mantenga unificada. Para eso mantengo una relacion no musical, sino visual y emocional con el director. Todo parte de ver la pelicula, partir de una base instintiva y consultar con el director sobre cuales escenas cree el que necesitan mas apoyo musical y sobre como siente tal o cual personaje.
Mayormente compongo con piano o teclado, a veces una guitarra... En cuanto al cine me gusta la comedia pero me siento mas libre en el fantastico, puedes ser lo imaginativo que quieras y no te frustras por no poder salirte de cierto rumbo.
El me deja hacer lo que otros directores no. Es una cuerda mas larga, entonces estoy mas dispuesto a intentar algo nuevo que si no conozco tan bien al director.
"Crimen y castigo" de Fedor Dostoievski.
Barbra Streisand
Conociendo su destino
Quien no la ha visto actuando en "Funny girl", "Hello, Dolly", "Nuts", "Yentl" o "The prince of tides" las ultimas tambien dirigidas por ella. Quien no ha sido capturado por su voz y su presencia en la pantalla alguna vez. Quien no sabe en su presencia que esta ante una de las grandes figuras del espectaculo estadounidense. Una de las mejores Streisand.
Su personalidad ha ido cambiando con el tiempo?
Siempre he tenido una extraordinaria fuerza de voluntad. Mi abuela solia decir que yo ardia. No podia aceptar un no como respuesta. Aun no puedo. Queria llegar a la cima o a ningun lugar. No podia estar en un coro, sabes lo que digo, tenia que ser uba estrella porque mi boca es muy grande. Soy demasiado lo que sea que soy para terminar en algun lugar en el medio de. La parte excitante ha sido todo el proceso de llegar alli luego de ser hechada a las patadas de tantos castings.
Dirigiendo es igual que cuando actua?
Cuando produzco o dirijo la estrella se va por las tuberias. Si fuera solo actriz saldria diciendo: 'Por que no me filmas primero asi no luzco cansada... y blah, blah...' Pero la parte que realmente me gusta de dirigir o producir es que la actriz queda descartada.
Ha tenido esa decision en todos los aspectos de su vida?
La verdadera Barbra, la real, esta asustada o intimidada por cosas. Pero hay una parte de mi que atraviesa el miedo y se siemta en las salas de grabacion y dice: 'No el oboe no va alli' o 'No, no esto no es asi'. Defiendo mis argumentos porque es mi vision del film y cada aspecto de el cada vestido, cada mueble, cada color es parte de esa vision. Hay una parte de mi que llora en los seminarios y hay otra, el guerrero que sale en este tipo de situaciones.
Se considera muy femenina?
No creo tener modos femeninos de actuar. Quiza lo hago incoscientemente pero como nunca tuve un padre nunca aprendi sobre manipulacion, o manipular hombres. No se como hacen para hablarles dulcemente y... Me gusta la masculinidad. Pero tengo que tener ese lado femenino del hombre para relacionarme caso contrario estoy perdida.
Le gustan las antiguedades y los zapatos y la ropa pasada de moda. Es de buen comer, tuvo una infancia dificil y fue una de las primeras en ver el talento y las particularidades de una cantante como Madonna. Ayuda a varias obras de caridad. Es multifacetica. Es Streisand.
Entrevista:
Dante Ferretti
Un nombre entre los nombres
Seguramente hemos visto su nombre varias veces. Su primer trabajo fue a los 23 años nada mas y nada menos que con Pier Paolo Pasolini en la intensa "Medea" con Maria Callas en el protagonico. Le siguieron con el mismo director "I racconti di Canterbury", "Il fiore delle mille e una notte" y la magistral "Salo o le 120 giornatte di Sodoma". Estudio arquitectura, hizo escenografias para operas en TV. Entre sus ultimos trabajos figuran "The black dahlia" de De Palma, "Titus" de Julie Taymor e "Interview with the vampire The vampire chronicles" de Neil Jordan. Esta realizando la direccion artistica de "Sweeney Todd" que marcara un encuentro cumbre con Tim Burton. Dante Ferretti, el hacedor del universo de los grandes.
Con que comienza cuando le traen un nuevo proyecto?
Lo primero que me interesa es saber de que va la historia. A traves de la ambientacion debo darle vida a la historia. Es importante interpretar bien el guion y pensar bien en eso. Y luego viene la investigación del periodo en el que se desarrolla para saber el tipo de ambiente que debo construir.
Es la parte mas dificil de su trabajo?
No, la de investigacion es la mas facil. Aunque uno se apega a la busqueda de datos para hacer un buen trabajo. Luego con todo el material junto veo que puedo hacer. Despues viene la parte mas dificil, pero tambien la mas bella, diseñar. Diseño la escena, hago los bocetos y los modelos tridimensionales para mostrarle al director. No todos trabajan asi pero yo siempre hago el modelo asi el realizador ve bien lo que voy a hacer y no hay lugar para equivoco.
Ha trabajado con varios de los mas importantes directores contemporaneos. Cual ha sido el mas interesante para usted?
Para mi Fellini siempre sera el mas grande. No solo como director sino como persona. Ame trabajar con el. No subestimo a los otros, pero Fellini fue un mentor para mi. Lo que aprendi de el se volvio mi libro de texto. Era un soñador increible... y un mentiroso. Con el aprendi a mentir convincentemente. Lo cual es importante en el mundo del cine. Fellini era un monstruo, tenia una gran imaginacion. El me contaba sus sueños y la cosa empezaba a funcionar. Todas las mañanas antes de filmar el me preguntaba: Que soñaste anoche? Yo le contaba cosas, cosas que pensaba camino a Cinecitta. Sus sueños hacian que todo funcionara. Paso un tiempo y descubri que el era insomne. Todos sus sueños eran invenciones...
"La voce della luna", "Ginger e Fred", "E la nave va", "La citta delle donne", "Prova d'orchestra" fueron sus trabajos con el maestro. Realizo los escenarios de "La pelle" y "Oltre la porta" de Cavani, "The adventures of Baron Munchausen" de Gilliam, "La nuit de Varennes" de Scola, "Il futuro e donna" de Marco Ferreri y trabajo con gente como Luigi Comencini, Elio Petri, Dino Risi, Marco Bellocchio, Enrico Maria Salerno, Sergio Citti y Francesca Comencini. "Gangs of New York", "Bringing out the dead" y "The age of innocence" son sus trabajos con Martin Scorsese. Su pareja es Francesca LoSchiavo que trabaja con el como escenografa. Ferretti nos hace desear ver su proxima pelicula para saber que mundo habra ayudado a llevar a la realidad al director de turno.
Entrevista:
Decidida y con fuertes opiniones
Lina Wertmuller
A ella le debemos obras ironicas y grotescas como "Mimi Metalurgico ferito nell'onore" "Film d'amore e anarchia, ovvero stamattina in Via dei Fiore nella nota casa di tolleranza", con los magnificos Giancarlo Giannini y Mariangela Melato, "Pasqualino Settebelleze", "Tutto a posto e niente in ordine", "Una notte d'state con profilo greco, occhi a mandorla e profumo di basilico", entre otras.
"Yo nunca he sido seria", dice. "Siempre me interesaron temas interesantes pero tengo la tendencia a tratarlos con gran ironia." y quien se lo puede discutir. Ella, que debuto en el cine como asistenta de dirección de Fellini, dice que es desconfiada y se asusta de la gente que se toma muy en serio. "Algo encantador del ser humano es ser capaz de reirse de si mismo, de tus propios miedos y debilidades. Recuerdo que Fellini habia colgado un cartel en la camara durante la filmación que decia: 'Recuerda, este es un film comico', pero por supuesto era muy dramatico". De un rodaje dice: "No hay nada que cueste mas que las dudas. Tienes que tomar las decisiones siempre antes."
Sus opiniones son muy claras con respecto a muchos temas. Si se le habla de la sociedad de hoy dice que "Hay miles de cosas seductoras en nuestra sociedad que hacen que las cosas al final resulten en crimenes o violencia. La publicidad, la calle, todo te tienta para tener. Motocicletas, zapatos, autos, refrigeradores. La gente se comporta como si tener fuera ser y eso no es asi. Pero esta enfermedad continua." Y del rol de la mujer: "Lo importante es sobresalir, no como mujer, sino como ser humano"
Sobre el problema de la financiacion que hace tiempo aqueja a los directores en Italia no duda en poner la culpa en el estado "Gasta dinero en tantas idioteces. Es terrible que no puedan financiar sus films. Fellini nunca pudo hasta el fianl de sus dias, Antonioni, Rossellini todos han tenido problemas asi. Es imperdonable. Es importante que la produccion europea prospere, para la riqueza de ambas culturas europea y americana".
De origen suizo, comenzo trabajando en TV en un equipo con gente como el musico Nino Rota. Su primer filme como directora "I basilischi" fue un exito de critica y gano varios premios. Hizo documentales. Es tambien guionista, autora teatral, ha dirigido operas, a tenido su programa de radio. Y nos ha regalado momentos de risas y carcajadas mezclados con la reflexion durante toda su carrera.
Si se le pregunta si los comienzos fueron duros, responde: "Nunca tuve demasiados problemas como mujer que queria dirigir. Por supuesto tuve algunos, pero mi pasion los apabullaba y enseguida sentian cierta simpatia e interes en mi. Estaba llena de vitalidad. Era muy extrovertida y pasional y la gente lo advertia." ¿Estaba? ¿Era? Quizas no se de cuenta de lo que aun sigue transmitiendo. Wertmuller todavia es un huracan.
Descubrir el placer en la actuacion
Isabelle Huppert
De niña me sentí muy impresionada por dos cuentos, en uno la protagonista moria de amor, en el otro de frio. Me identifique con estas dos niñas. Se podria decir que tengo una predispocision a fascinarme con los personajes de ficcion. Y mi atraccion hacia esos personajes va muy lejos.
Sin embargo, usted parece en cierta forma impasible, de hielo.
Creo que se piensa de esa forma de los europeos en general en America. Es quiza como una caricatura de la mujer francesa. Pero por supuesto es verdad en cuanto a los comportamientos en otras partes del mundo y especialmente en la forma de actuar. Puedo entender que se diga eso por como son algunas personas, mucho mas obvias, menos sutiles. Pienso que la gente en general no expresa tanto en la vida como nosotros lo hacemos en la pantalla. La gente oculta sus sentimientos la mayoria del tiempo... Y la cámara te permite ser tan minimalista. Tienes que sacar ventaja de ello.
Como se acerca a sus personajes?
Es extraño. En realidad estoy lejos en mis pensamientos profundos, pero a la vez muy cerca porque estoy dentro mío cuando actuo. De hecho creo que estoy en ese estado durante esta entrevista.
Sus personajes generalmente poseen comportamientos extraños...
La gente siempre habla acerca de los personajes como perversos, manipulativos o lo que sea. Pero yo estoy segura que dentro de ellos sienten otra cosa. Se relacionan mas honestamente con el personaje, mas emocionalmente, pero no lo aceptan, entonces prefieren dar esa clase de definiciones exteriores.
Que es actuar para usted?
Es duro de explicar. Ya lo dije antes. Es un ejercicio de alejamiento de vos mismo, estando a la vez muy cerca. Asi es como se vuelve un placer. Es como bailar o cantar, lo haces y sientes el placer de hacerlo.
Dos últimas preguntas. Que cualidad prefiere en el hombre?
Femineidad.
Que cualidad prefiere en la mujer?
El misterio.
Isabelle Huppert la actriz mas respetada del mundo cinematografico del momento. Ha sido la musa de Chabrol, Haneke, Godard, Chéreau, Ruiz, Cimino y los Taviani entre otros, los ha conquistado a todos. Nos ha conquistado a todos.
Clase B de corazón
Dennis Muren
Ha usado stop motion en los ultimos filmes que ha hecho?
No desde que aparecio el CG. Pero aun usamos modelos.
Desearia volver al stop motion?
No, pero extraño el hecho de sentir los modelos, podes sabre cuan duro es hacerlo. Realmente amo eso. Pero es imperdonable en lo complicado que es. Cometes un error y tienes que empezar todo de nuevo. Los resultados no son tan realistas como con CG. Pero estoy contento que se esten haciendo peliculas como "Tim Burton's Corpse bride" donde el stop motion es una forma de arte y no trata de ser fotorealista.
Obviamente estaran frustrados de esperar a que las computadoras puedan desarrollar ciertas cosas...
No es frustrante. En realidad de lo que se trata es de dilucidar que es lo proximo. Al principio no habia tanto trabajo hecho y generalmente si se te ocurria algo terminabas con el morphing. Pero ahora se ha hecho mucho y lo realmente dificil es hacer algo nuevo, dependemos de las historias.
Cuan cerca se esta de crear un actor que sea creible digitalmente?
Creo que se podria hacer ahora pero costaria demasiado y se tardaria mucho tiempo. Resultaria mas barato contratar a cualquier actor. Para que eso deje de suceder debemos estar a una decada de distancia. El verdadero problema es que estas cerca de la gente todo el tiempo, mucho mas que a dinosaurios, monos u otras cosas. Puedes salir bien en esos casos, porque la gente no los ve comunmente, pero gente ves todo el tiempo.
En 1970 estreno "Equinox" co-dirigida con Jack Woods sin figurar Muren -tambien productor- en los títulos. La historia va de cuatro amigos que son atacados por varios demonios que deben recuperar el libro que cayo en su poder, nada mas y nada menos que el Necronomicon. Hoy una clase B de culto, una joya para ver en cuanto puedan.
Entrevista:
Tecnica y arte para la luz ideal
Vittorio Storaro
Hijo de un proyeccionista, empezo a estudiar fotografia en una escuela tecnica a la edad de once, a los veinte fue operador de camara en el segundo filme en el que trabajaba. Se formo en literatura, escultura, pintura y musica y tambien ha dirigido operas.
Su interes por el mundo de la imagen viene desde...
Siempre quise estudiar fotografia. Pero me decian que era muy joven, empece a estudiar cine. Mi familia era muy pobre, yo estudiaba temprano y a la tarde trabajaba en una tienda de fotografia. Me tiraba en el suelo y desparramaba todas las fotografias que podia, no creeria la cantidad. Con el tiempo las empece a revelar y retocar.
Es un autodidacta?
En la escuela de cine aprendia sobre camaras, lentes, tipos de peliculas, sensitometrias, pero nadie me enseñaba nada sobre como interpretar historias. Me di cuenta que debia usar la luz para expresar ideas y visiones. Nadie me dijo que estudiara a Faulkner, Caravaggio, Vermeer, Mozart y Rembrandt, lo hice por mi mismo.
En mi primera pelicula ("Giovinezza, giovinezza" 1969) senti que era capaz de contar una historia completa. Fue un viaje completo de luces, sombras y contraste. Comenzamos con palabras en el papel y las traducimos en una travesia en pelicula que cuenta una historia. Fue como mi primer amor. Llore dos dias antes de terminar la filmacion porque sabia que no iba a volver a sentir lo mismo otra vez.
Que emociones le transmite trabajar nuevamente el material para las nuevas versiones de sus peliculas?
Hicimos "Apocalypse now" hace 30 años y los colores se estan desvaneciendo es doloroso ver tu trabajo desapareciendo tan rapido, lo ves durante tu vida. Pero al mismo tiempo, es maravilloso tener la chance de revitalizar tu trabajo, aggiornarlo y tratar de hacer algo mejor.
Un verdadero maestro de la luz, Storaro ha hecho la fotografia de peliculas como "Apocalypse now", "One from the heart", "New York stories" (episodio "Life without Zoe"), "Tango no me dejes nunca", "Flamenco", "Little Buddah", "The last emperor", "Novecento", "The sheltering sky", "Ladyhawke", entre muchas otras. Un profesional y un artista de talento que siempre nos brinda imagenes de gran belleza y precision.
Entrevista:
Aislamiento y tristeza
Charlie Kaufman
Si se piensa en un guionista que se haya destacado sin lugar a dudas en los ultimos tiempos, se habla necesariamente de Charlie Kaufman. Este neoyorquino que actualmente vive en Pasadena, California, a conseguido renovar el alicaído panorama de ideas del cine hollywoodense.
Empecemos por el principio. Que te inspira a escribir?
Trato de no analizarlo. De hacerlo se me presentarian cosas que serian tomadas por mí y por los demás cómo "los temas en los que estoy interesado" y este trabajo perderia interes.
No hay nadie que te inspire, de verdad?
No. Tal vez en algun momento. A veces paso por las librerias para buscar ciertas cosas, pero como los temas de los que hablo son siempre distintos, los libros tambien lo son. Podria tal vez citar una frase de Harold Pinter que siempre me ha gustado: "Todo lo que escriba tiene que estar mas desnudo que lo anterior", creo que si no estas haciendo eso no sabes lo que estas escribiendo, al menos asi es para mi.
Los personajes aparecen ya formados en tu mente?
Aparecen totalmente formados. Y yo me sorprendo. Espero escucharlos, por eso me mantengo muy abierto cuando estoy escribiendo, para permitirles que vivan y empiecen a existir. Generalmente dejo que lo hagan por ellos mismos, no los categorizo con anterioridad. Amo a todos mis personajes y para mi es esencial. Luego, cuando se está haciendo la película, los actores se vuelven los personajes entonces ya no escucho a los personajes, escucho a los actores que los hacen suyos.
Siempre se refieren a vos como un escritor cerebral. No crees que la gente valora poco la parte emocional de tu trabajo?
Pienso que todo lo que hago es realmente emocional. Todo lo que hago esta basado en alguna clase de lucha que tengo. Todo lo que he hecho. No se como escribir si no encuentro eso. Aunque sea un encargo. Hay gente que me ha dicho cuan tristes son mis guiones y estoy muy contento de oir ese comentario. Las peliculas son raras y tal vez eso las distancia de la gente, pero es duro para mi separar el trabajo de mis propias experiencias porque eso es lo que estoy pensando al respecto cuando lo estoy escribiendo.
Tus guiones se leen como un libro entretenido, a diferencia de otros. Por que crees que pasa?
No lo se. Creo que es importante escribir cosas que la gente quiera leer. Escucho mucho: "Bueno un guion es solo una primera impresion, no es una pieza de literatura". No estoy de acuerdo para nada. Creo que un guion es importante por muchas cosas. Uno, por mi orgullo. Quiero hacer algo que sea disfrutable. En otro nivel, si lo que estas escribiendo no es para el publico en general, es para la gente que esta haciendo o va a hacer la pelicula y tienes que convencerlos lo mas posible de lo que estas evocando. Parte de eso es hacerlo lo mas facil de leer posible.
Autor de "Being John Malkovich", "Human nature", "Adaptation", "Eternal sunshine of the spotless mind" o la obra teatral que presento en Londres junto a los hermanos Joel Coen y Ethan Coen "Theater of the new ear", Kaufman se presenta como uno de los pocos verdaderamente originales de un cine norteamericano en decadencia.
